Natürlich ist der Vergleich nicht richtig (auf was zielt dieser Spruch eigentlich? Beruht viel mehr auf einem Spiel mit Tönen – ein guter Punkt – als auf einem Sinn?) und 2021 ist ein (weltliches) Jubiläum, das sich nicht jedes Jahr wiederholt , aber die Ausgabe 2022 der Donaueschinger Musiktage, trotz oder wegen seines guten Aussehens, seiner Sonntagskleidung - er, der sein eigenes Messbuch in der Kirche hat (die weiße Christuskirche, blau beleuchtet für einen so konventionellen Now-Jazz-Improvisationsabend sucht dort immer noch Spontaneität, zu wenig genährt von der Frische der Cellistin Tomeka Reid und ihrem Instrument, grauer Marmor), der Vertiefung des Konsenses durch ein vielleicht von Pandemie/Krieg/Inflation betäubtes Publikum, das seine Einsicht durchstreut gedämpften Applaus, diese Ausgabe lässt daher Hoffnung aufkommen, mit einer Menge zu entdeckender Komponisten, einem Dutzend Konzerte, von der kleinsten (ein unerwartetes Posaunenduo) bis zur größten Zahl (das OrchesterSymphonie des SWR in drei Sets aufgeteilt), seine saubere Organisation (etwas pingelig, bei den Donauhallen unter Polizeialarm, was die Art der in der Halle verbotenen, aber manchmal auch aus der Umkleide verbannten Taschen angeht - in der " blauer Bus" auf dem Parkplatz (aber hast du die Warteschlange gesehen?), seine freundliche Umgebung (die Stadt Donaueschingen, die an diesen Tagen im Rhythmus der Hunderten von Festivalbesuchern lebt, isst und schläft), seine halb- Weißhaarige, halbstudentische, haarige Menge (und ein paar dazwischen), hinterlassen diese Musiktage 2022 einen Vorgeschmack auf zu wenig: zu wenig von diesem Wahnsinn, den wir in einem Stephan Prins beklagen, der aber jeden Wüstenhügel erfrischen würde, der Winter beherbergen soll Spiele , zu wenig von diesem Luftstrom, den man in den Fulguranzen eines Jean-Luc Fafchamps findet, wenn er sucht, wo das Ende ist, zu wenig von diesen mehr als formalen Fragen, die uns (mit zufälligem Glück) Fausto Romitelli, John Cage nährten oder Luigi Nono.Wir wissen, dass 2022 in Donaueschingen ein Jahr des Herrschaftswechsels ist: Ausstieg Björn Gottstein, verantwortlich für ein Programm, das er nicht mehr umsetzen wird und Lydia Rilling, Mutter (im wahren Leben und in Elternzeit), aber ohne den Einstieg Zügel einer Ausgabe, in der sie nicht durch Eva Maria Müller ersetzt wird, lächelnd und sympathisch, aber nicht leicht zugänglich für diejenigen, die kein Deutsch sprechen (die Zweisprachigkeit der Ankündigungen hilft diesem Teil des Publikums, der zurechtkommt, Sprachen spricht, aber nicht alle) - ein Hauch von Zögern also, was wir dem Jahr überlassen, um den Nebel zu zerstreuen und das Hörziel darauf auszurichten, was neue Musik heute ist.Es sei denn... Es sei denn diese neue Musik selbst... Die Komponisten von heute... Ein Hollow?Eine Inspirationskrise?Stillstand, Unbeweglichkeit, erstarrte Körperhaltung, stramm stehen?Aber nein.Sie sind da, vielleicht im Raum, diejenigen, die immer noch von Innovationen träumen, die vor Ideen überquellen, von denen einige über die Skizzenbühne hinausgehen und auf einer (oder mehreren) Bühnen gedeihen werden, wie dieser junge Spanier Ixta (von der Name dieses mexikanischen Vulkans in Gestalt einer schlafenden Frau), die in Linz, Österreich, bei Carola Bauckholt Komposition studierte, hielt sich nur mit Mühe und notierte während des Konzerts fieberhaft ihre Gedanken in einem kleinen Notizbuch ("Ich komponiere aus a Erzählung") und versichert mit einem breiten Lächeln, ironisch und ernst, dass sie "den richtigen Vornamen hat, um berühmt zu werden".Atem holen heißt auch atmenUnd dann ist eine globale Wahrnehmung die Emotion des Augenblicks nicht wert.In Donaueschingen präsentieren seit mehr als einem Jahrhundert Interpreten von internationalem Ruf Gründungsmusik, die der Fantasie weltberühmter Komponisten entsprungen ist.Auch dieses Jahr sind wieder 27 Kreationen im Angebot (einige davon warten seit 2020).Vertrauen wir also...So beginnt mein erster Tag in der kleinen Donaustadt: ein Eis (Miniportion, also zwei Kugeln, eine Orgie für meinen Blutzucker), dazu eine heiße Schokolade, also dicker essen als trinken , serviert auf Italienisch im Vivaldi Eiscafe an einen in Luxemburg lebenden Belgier, der versucht, eine Bestellung auf Deutsch aufzugeben – das ist Europa.Vor einem Jahr hörte ich eine Ars Musica, die der Stimme gewidmet war, hier bin ich, diesmal im Schwarzwald und nicht in Bruxelles-ma-belle, zu Beginn von drei Tagen, in denen die Stimme einen besonderen Platz einnimmt;wir werden die Gelegenheit haben, noch einmal darüber zu sprechen, mit der erstaunlichen Arbeit von Bernhard Lang und der doppelten Investition von Agata Zubel (belohnt am Ende des Festivals mit dem -verdienten- Preis des SWR Orchesters).Musik, um Parkinson-Patienten zu öffnenUnter den drei Stücken auf dem Programm für das 18-Uhr-Konzert an diesem Freitag, das der Bassklarinette von Gareth Davis und den Neuen Vocalsolisten Stuttgart anvertraut wurde, ist Heliotrop von Nikolaus Brass (1949-), benannt nach dieser Eigenschaft von Pflanzen, dem Licht zu folgen die Sonne - wir denken natürlich an die Sonnenblume (seltener an den Topinambur), aber wir können noch einen Schritt weiter gehen, indem wir den Heliotropismus der Populationen betrachten, die von den sonnenreichsten Ländern wie denen des Sonnengürtels in den Vereinigten Staaten angezogen werden -, kaum zu erregen, entfaltet er seine "extra-vokalen/musikalischen Gesten" (Schläge auf die Brust, Klaps auf die Wangen, Mund weit geöffnet, aber stumm, Reibung und andere Schläge...) mit der Überzeugung einer Übung in Stil - und ohne Schwung, der den Test verändern würde.Zu Texten von Parkinson-Erkrankten (ebenfalls unterstützt von der MaySways Foundation, deren Mission es ist, "das unsichtbare Antlitz fortschreitender neurologischer Erkrankungen sichtbar zu machen", kommt Bernhard Lang am Ende des Abends auf dieses Thema zurück), Iris ter Schiphorst ( 1956-) - der von Musik als zweiter Muttersprache spricht (sogar eine dritte für diesen Multiinstrumentalisten, der als Sohn eines niederländischen Vaters und einer deutschen Mutter geboren wurde) - präsentiert Ordnung und Struktur für Bassstimme und Bassklarinette (bestimmte Erzählungen und Schlagzeuge sind aufgenommen und der Sänger benutzt zwei kleine Gongs), ein Stück mit spürbarer dramatischer Spannung - hinter der Geschichte lauert eine Existenz -, deren roter Faden eine Zeile ankündigt: "Eine winzige Abweichung ändert alles (dein ganzes Leben).Fünf Sänger, immer die Klarinette, und musikalische Objekte (Mundharmonikas, Kalimba) oder außermusikalische Objekte (flexible und blaue Pfeifen) stehen auf der Bühne für In Darkness des Zyprioten Evis Sammoutis (1979-), das von der Melancholie In Darkness ausgeht Ich halte mich bei John Dowland (1563-1626) auf, um auf der Grundlage des gleichen Textes, aber ohne die musikalische Manier der Renaissance zu verschweigen, das Gefühl, das unter Parkinson-Kranken immer wieder auftritt, sich "in einem Körper gefangen zu fühlen". das nicht mehr wie vorher reagiert'.Sammoutis transkribiert diese obsessive Gefangenschaft durch einen immer schrofferen und atemloseren Ton, verbunden mit einer Dekonstruktion von Dowlands Partitur, die er mit neuem Material vollstopft, und versucht der hilflosen Verzweiflung des Patienten mit einer Eröffnung (ein bisschen wie Atmospheres, von György Ligeti) entgegenzuwirken , die Stanley Kubrick in seinem Film 2001: A Space Odyssey populär gemacht hat, schafft einen Durchgang in die Unendlichkeit des Universums) zu Herausforderung und Mut.Ein unerwartetes Duo vor der strahlenden Erkundung von Mahnmal-UmwegenMorbide Zählungen und alarmierende Adressen sind in den Hintergrund der Zeitungen getreten, aber der Covid schlägt immer noch zu - heute ist das Team verantwortlich für die Elektronik von where the dark earth bends, der neuen Kreation von Clara Iannotta (1983 -).Stattdessen sagt Zero mit leiser Stimme, interpretiert von den beiden Posaunisten Weston Olencki und Mattie Barbier (unter dem Namen RAGE Thormbones – wer von den beiden hat lackierte Fingernägel?) macht großen Eindruck: Die (vorbereitete) Improvisation begünstigt neue Klänge das Duo schöpft aus seinen alten Instrumenten (aber verstärkt und aufbereitet), die Atmosphären sind dick, brutal, sogar schmerzhaft - es hat etwas Faszinierendes, sich an der kraftvollen Ruhe der beiden Musiker (aus Los Angeles) vor der Bühne zu berauschen , gleichgültig gegenüber den leeren Stühlen und Pulten des Orchesters, ganz, zentriert auf die Gesten, den Atem, das Ausatmen, bereit, das Instrument zu verschlingen, um ihm eine Klangmasse zu entreißen, die kaum in den rohen Stein gemeißelt ist.Haarsträubend.Mit seinen abgehackten Klicks und seinen "Globs" aus Goldfischen (eine flexible Plexiglasplatte, die ein Perkussionist umrundet), wie ein ruckartiger, unausgeglichener Marsch, mit einem unzusammenhängenden Rhythmus (die Becken und die Blechblasinstrumente), durchzogen von Elektrizität (diese Kratzer trocken auf einem Hintergrund von Alarmsirenen), i wd leave leaf & dance führt Martin Schüttler (1974-) in die philosophische Spaltung ein, wo der andere ein Teil von uns ist (die Klänge des Orchesters und die künstlichen Klänge imitieren und stoßen sich gegenseitig ab). anderen zugleich), wo der unbekannte Ort weniger entdeckt als dem Ungewissen geöffnet wird, erblüht mit vielfältigen Wurzeln, mit rhizomischen Verknüpfungen (Samples, Beats, rhythmische Spuren von Popsongs, ein heterogenes Klangwuchern): ein bebendes, bewegende, kontrastierende und ungelöste Klage in sechs zusammenhängenden Sätzen, die in einem abschließenden Disco-Inferno kulminiert.Für Outside the Realm of Time besetzt Agata Zubel (1978-) durch projizierte Bilder (die dritte Dimension des Hologramms ist von meiner Position aus kaum wahrnehmbar) des Komponisten-Sängers virtuell hinter der Bühne hinter dem SWR-Sinfonieorchester in Bewegung, von einem Kleid zum anderen, in Licht, in Unschärfe, in Hieb, in Singles, in Doubles, mit ihrer Stimme auf den scharfen Schwankungen der Partitur, denen der Erinnerung – die über die sieben Bände von verstreut sind Auf der Suche nach der verlorenen Zeit von Marcel Proust -, die zusammenkommen, teilweise zusammenpassen, gemacht werden, auseinanderfallen, wieder gemacht werden: ein faszinierendes Stück, betörend, das begeistert.Mein Enthusiasmus wird durch den Beitrag von Thomas Meadowcroft (1972-) gedämpft: Forever Turnarounds ist als „Deep Easy Listening“-Erfahrung gedacht, aber ich finde wenig von dem Deep Listening (langsam, intim, spirituell), das von Pauline Oliveros befürwortet wird, und weit zu viel Easy Listening, das sanfte und elegante Melodien qualifiziert - langweilig in meinen Ohren.In der billigen Oper singen wir "fuck off"Die Wahl der Tagessuppe in den Donauhallen (Kartoffeln und Würstchenstücke) bringt diejenigen zum Schmunzeln, denen ich es erwähne;immerhin eine heiße Schüssel und sein Brötchen, es hält ohne Anstrengung für das abendliche Konzert, strenger - vom Ort (das Mozartzimmer), dem Thema (wieder Parkinson) und dem Konzept (eine billige Oper) - als die alternativen Mitternachtsentdeckungen im Hinterzimmer des Twist in früheren Ausgaben.In Cheap Opera #3 „May“, einem (wenn auch ehrgeizigen) musikalischen und dokumentarischen Theaterstück, das aus Bernhard Langs Interesse an dieser neurodegenerativen Krankheit entstanden ist, baut der Komponist die Erzählung auf den (sehr realen) Elementen des Lebens der niederländischen Architektin May Kooreman auf und Autorin, die seit acht Jahren mit der Diagnose der Krankheit lebt, eine „Frau, die gegen die Drohung vor Wut schreit: Fick dich!".Die Stimmen der Neuen Vocalsolisten Stuttgart schweben, winden sich und berühren den Himmel;Gareth Davis' Bassklarinetten- und Playback-Loops regen die Kohärenz einer Musik an, die auf das Wesentliche abzielt: eine grundlegende Kohäsion um Wahrnehmung und Identität.Mit seiner kleinen Oper bietet Lang einen intensiven Moment des Lebens.Eine gutmütige Offenheit angesichts der möglichen Anwesenheit von MagieVater zu werden ist ein berührendes (aber alltägliches) Erlebnis: Christian Winther Christensen (1977-) interessiert sich daraus für Kinderlieder, die er verwendet, um eine halbe Stunde Musik aus kleinen Klangberührungen zu schreiben, die in den Bartok getrieben werden an diesem Samstagvormittag vom Ascolta Ensemble, auf impressionistische Art, kaum ans Ohr rührend, eher dezent als originell, dem Spieluhrenrepertoire ein paar Klammern abpressend, so wohl in der Welt der Spielzeuge, dass Children's Songs sie auf die Bühne ruft , und zwar auf zweierlei Weise: Auf einem kleinen Bildschirm, der sich zum Geräusch eines Elektromotors (ähnlich dem meiner Lego-Eisenbahn - auch er ist dänisch) in Position bewegt, erscheint ein kleines Mädchen in einem weißen Kleid (sie singt ein paar Sätze) dabei , auf der Hofseite lassen die beiden Schlagzeuger ihre Instrumente stehen, um mit „bloubs“ und „pops“ Stein für Stein (Duplos?) die drei Stockwerke der Vorderfassade eines farbenfrohen Gebäudes zu errichten.Artemis bewegt sich in Wellen fort, manchmal abrupt, mit mehr oder weniger verschwommenen Ebben, in denen sich Klavier und Schlagzeug vermischen, während die Sopranistin Keren Motseri, die diese nach Unabhängigkeit strebende weibliche Gottheit verkörpert, singt und die Texte sagt (sie sprechen über den Kampf von Geburt und Leben). ) von Rozalie Hirs (1965-) -in einem rosa-weißen Regenmantel-, sowohl Dichterin als auch Komponistin, die einer Technik des spektralen Schreibens anhängt, bei der die Berechnung von Frequenzen und Dauern Hand in Hand mit der Ausnutzung psychoakustischer Phänomene sie bestreiten mit dem Einfluss des Bereichs der elektronischen Musik.Ich bevorzuge.Zwischen innerer Unordnung und gestaltloser GefahrAus New York kommend, wo es sich durch seine Neugier auf kreative Musik auszeichnet, gibt das Talea Ensemble zwei Konzerte in der Sporthalle der Realschule: Ich besuche das um 14 Uhr, ohne Zeit für einen Verdauungsspaziergang zu haben, der aber fällig wäre wurden nach dem Buffet im benachbarten Chinarestaurant begrüßt, dessen Preis mir nicht aufgefallen war, war zu erschwinglich.Ohne sie zu berühren, spielt die Harfe eine fast strukturierende Rolle in Mauro Lanzas neuem Stück (1975-), in dem er mit kongruenter Eleganz seine Sichtweise auf Musik, die Maschine, Automatisierung und den Rückgriff auf die Zeit darlegt , vor dem digitalen Zeitalter, wo die Mechanik mit ihren Zahnrädern mehr sah als die Abfolge von Einsen und Nullen der binären Welt.Gretchen und das Fragment auf Maschinen bietet mit seiner harmonischen Progression (geb. 1814 aus der Feder von Schubert, in seinem Lied Gretchen am Spinnrade ) und seinem Wechsel von einem rhythmischen Motiv zum anderen eine betörende Maschinerie ohne Härten, fast schon wiegend menschlich - mit dem Paradoxon, dass sie selbst für ihr Schreiben nicht mit computergestützten Kompositionsalgorithmen und Notationssoftware geizt.Die Doppelchaconne mit Lücken von Alexander Goehr (1932-) greift wie eine Pause ein, friedlich und schützend, mit trägen Konturen, abgerundet wie Senatorenstühle: Langsam, mit einer Sparsamkeit der Klangfarben und der Nachsicht eines Gelebten führt uns Goehr den Faden zu verlieren, das Bewusstsein dafür, die bloße Idee, dass es eine gibt – dass es eine geben muss –: 29 Variationen über zwei alternierende Chaconnes (eine leichte , Harfe und Klavier; die andere dunkel, Altflöte und Bassklarinette) dann Zusammenkommen und der Versuch, durch Stille und Klang in Musik zu übersetzen, was der japanische Maler Hokusai auf dem Papier operiert, indem er durch Form und Bild einen weißen Raum definiert, von dem aus es ausgeht.gemischt |Tilgungen ist als fragmentierter Satz heterogener Klänge konstruiert, der sich allmählich verdichtet, bevor er sich in einer Rückbewegung in einen leichteren Haufen auflöst, der in seiner eigenen Kohärenz disparat ist: die Frage, die sich dem umherschweifenden Geist stellt, wenn er der Komposition von Joanna lauscht Woźny (1973-) ist derjenige, der weiß, inwieweit der Zufall beim Manöver ist, inwieweit die Klangereignisse, die uns in der relativen Dunkelheit des Konzertsaals faszinieren, auf diesen Plastikstühlen sitzen, die wir aneinander befestigen, um sie zu vergrößern geordnete Gitter einer Reihenformation, entstehen aus eigenem Willen bewegt;die Antwort liegt eher in der akribischen, vielleicht manischen Sorgfalt, mit der Woźny seine Klänge zeichnet, gemischt mit einer zweideutigen Askese, einer Art Innerlichkeit des Zuhörens, die das Wesentliche zugleich privilegiert wie das Einflößen von Zweifeln - a Herausforderung an sich.Iris ter Schiphorst (1956-), die einen Rockhintergrund als Bassistin, Keyboarderin, Percussionistin und Tontechnikerin hat, baute HYPER-DUB auf, indem sie mit dem Korg MS-20 (ihrem Lieblingssynthesizer) von Chrislo Haas, Mitglied von Der Plan ( gefunden auf From Brussels With Love, der Gründungscompilation der Discs of the Twilight) oder Deutsch Amerikanische Freundschaft, strukturierende Elemente der deutschen Musikszene der 1980er Jahre, und auf dem Text (sowie der Begegnung mit) Dirk von Lowtzow ( er ist es, der es deklamiert) - Gitarrist und Sänger bei Tocotronic.Seine Phrasierung, zusätzlich zu seiner Art, sich an das Mikrofon zu klammern, die der klassischen und idiomatischen Welt der verstärkten Bühne fremd ist, und der Klang des MS-20 tragen dazu bei, dieser Kraft Substanz zu verleihen, die wir von Anfang an auf der Suche fühlen .. des Spiels, während dessen wir auf seine Manifestationen achten, ist die stets schwebende Gefahr, ebenso taub wie das Publikum, begeistert, aufmerksam.Schaffen ist niemals ex nihilo erfindenAuch das Kwadrofonik Ensemble (ein ungewöhnliches Quartett aus Keyboards und Percussion) bietet einen Doppelauftritt: Ich besuche den um 17 Uhr im Strawinsky-Saal, von dem mich ein unglaublicher Post-Covid-Hustenanfall für eine ganze Weile mitnimmt der mitfühlende Blick des Wachmanns, der überall nach „Ricola-Bonbons“ sucht, um mir zu Hilfe zu kommen.Ich vermisse daher einen Teil von Stock Footage Stück 2: Typ Beats, in dem Malte Giesen (1988-) musikalisches „Stock Footage“ (der Begriff kommt aus dem Kino) verwendet, in der Art von Elektro und Hip-Hop, die aus dem Bestand schöpfen verfügbare Beats, neugierig darauf, was man mit einem Material machen kann, offensichtlich alles andere als originell und von zweifelhaftem künstlerischem Niveau, wenn es durch die Mühle gefahren wird und sich mit Sounds verbindet, die in der Avantgarde der Mitte des 20. Jahrhunderts verwurzelt sind.Vielversprechend.Mit nacktem Schädel und Bartkragen, schwarze Joggingjacke mit weißen Streifen, laut, provokativ und involviert spielend, engagiert sich Artur Zagajewski (1978-), Pole der zeitgenössischen Musikkultur und des Rock, mit Danses Polonaises in einer Rede (unterstützt durch Filmausschnitte von Demonstrationen und Straßenkundgebungen) als Reaktion auf bestimmte (sehr) konservative Bewegungen, die sein Land durchziehen, angetrieben von einer Musik, die mit der Kraft der Revolte pulsiert, die mit dem Atem derjenigen keucht, die sich weigern, die Dinge loszulassen.Es ist roh, angespannt, nah am Unpassenden und eine zerzauste Stille begrüßt das Ende des Stücks – bevor der Applaus von einem Publikum losbricht, das zustimmt, angerempelt zu werden.Das hervorragende Kompositionswerk von Sasha J. Blondeau (1986-) dreht sich um Topologie, Raum, seine Architektur, seine Physik und entwickelt diesen Ansatz, indem er die verschiedenen Räume, die während der Entfaltung des Raums durchquert werden, genauer charakterisiert;aber was am meisten zählt, ist die Atmosphäre, fesselnd und seltsam, diese Stimme (Barbara Kinga Majewska), die erzählt und dann singt, Beckett, Foucault und Auszüge aus dem Cyborg-Manifest (dem feministischen Essay von Donna Haraway, der 1984 die Kategorien dekonstruiert, die Mensch und Tier, Maschine und Organismus, Mann und Frau unterscheiden), die vier Musiker, die auf und in die Klaviere eintauchen, und ein Klangensemble, das so rücksichtslos perkussiv ist, dass sein Zusammenhalt selbstverständlich ist .Mit diesem doppelten Ehrgeiz, sowohl die Entwicklung der Ideen polnischer Philosophen als auch seine eigene Karriere als Komponist zu überprüfen, interessiert sich Nigel Osborne (1948-) für zwei Wege.Er selbst studierte zunächst die Natur von Energie und Wellenformen, bevor er sich mit Mathematik und Rock 'n' Roll befasste, nie die Musik verließ, die er in verschiedenen menschlichen Kulturen hört und mit Biologie und Medizin in Verbindung bringt, bevor er ihre Rolle bei revolutionären politischen Veränderungen betrachtete.A Short History of Polish Philosophy entfaltet fünf Sätze, die sich jeweils auf ein Kapitel der polnischen Denkgeschichte konzentrieren und durch spezifisches Klangmaterial illustriert werden, das manchmal von Tonbändern aus den 1970er Jahren stammt: Sonnenwetter für die Zeitmusik, Funky Music geschrieben in Resonanz zu Łukasiewicz' Theorie der Primzahlen, aus biologischen Daten modulierte Klänge (Atmung, Elektroenzephalogramm, Herzfrequenz) oder Radioausschnitte, die von den Vorläuferereignissen der Gründung von Solidarność zeugen – das Ganze ist nach dem Maßstab eines Lebens, bunt und bunt mehrere.Zu Pferd oder mit dem Zug, die Landschaft ist nicht dieselbeDie Geschichte, die sie erzählt, indem sie für immer in den Hörer schreit, wird sowohl von der Mundharmonika-Sektion geflüstert – in der Hannah Kendall (1984-) den Atem der Instrumentalisten wiedererlangt – als auch durch das Gespräch zwischen den beiden Walkie-Talkies, die sich auf beiden Seiten gegenüberstehen, dialogisiert Bühne – ganz zu schweigen von den vorprogrammierten Spieluhren, die den Brief an Elise, die Ode an die Freude oder Die schöne blaue Donau flüstern.Das Ganze entfaltet einen meditativen Rahmen, das Auftauchen einer Klangwelt, in der die immersive Versuchung selbstverständlich ist: wir lassen uns fallen, wir sind drin und wenn es aufhört, wissen wir nicht mehr wirklich woher wir kommen, sondern das was ist Sicher ist, dass wir uns dort wohl gefühlt haben, ein bisschen wie zu Hause, in der Feinheit einer Umgebung, die nicht unsere ist, deren unendliche Details jedoch raffiniert sind wie das Leder unseres vertrauten Sofas.Mit Georg Friedrich Haas (1953-) und weiter und weiter und weiter... begibt sich das Modern Ensemble unter der imposanten Leitung von Vimbayi Kaziboni auf eine andere Reise, die durch ihre eindringlichen Anstiege, ihre Fulgurationen und ihre plötzliche Schrillheit noch verstörender wird - so viele entnervte Blitze in einem dunklen Himmel - mit einem dichten Gewebe, ständigen Beschleunigungen: die Dreiviertelstunde des neuen Stücks des österreichischen Komponisten (entstanden gleichzeitig mit dem Eintauchen in seine eigene Geschichte für die Veröffentlichung seiner Memoiren - der Titel stammt aus einem Vers eines Jugendgedichts) stellen sich eine unendliche Bewegung vor, immer weiter, immer höher, immer schneller.Die beiden Klaviere (umgestimmt auf einen Viertelton) und das Akkordeon übernehmen die mikrotonale Präzision eines in seiner Dauer ebenso anspruchsvollen wie in seiner Klangkonsistenz anspruchsvollen Stückes, das wir bis zum Einsetzen des Kontrabassisten in Apnoe durchlaufen auf, lässt sein Instrument stehen und verlässt die Bühne, bald gefolgt von dem Klarinettisten und allen Musikern, einschließlich des Dirigenten, bis der Akkordeonist allein zurückbleibt, mit einer zerfallenen Klangmasse zu seinen Füßen - und dem anhaltenden Echo eines ungewöhnlichen Moments .Räumlichkeit, um das Zuhören zu störenDie Baar-Sporthalle brummt von den Gesprächen derer, die wissen, dass sie sich heute Abend trennen werden: Freunde, die sich gefunden haben, Studenten, die sich kennengelernt haben, Komponisten, die sich mit anderen Musikern getroffen haben;selbst wer nichts zu sagen hat, ist etwas unruhiger als sonst.Für Parallax arrangiert Lula Romero (1976-) die Instrumentalisten des SWR Sinfonieorchesters unter der Leitung von Bas Wiegers in drei asymmetrische Sektionen: eine auf der vorderen Bühne, die zweite hinten im Raum und die dritte in seiner Mitte linke Seite.Die Idee besteht darin, einen privilegierten Punkt zu vermeiden, von dem aus die drei Gruppen gleichermaßen gehört werden können, und im Gegenteil die Positionen zu vervielfachen, an denen das Publikum ein anderes Hören als seine Nachbarn erlebt - in der Art einer Parallaxe, dieses visuellen Effekts lässt uns die Platzierung eines Objekts unterschiedlich wahrnehmen, je nachdem, wo wir es betrachten.Mit einer fast perversen Subtilität verstärkt Romero die Mehrdeutigkeit (oder die Hörautonomie des Zuschauers, je nachdem), indem er den kausalen Beziehungen zwischen Klangereignissen Ähnlichkeiten vorzieht, was mehr Raum für Interpretationen (und ihre Unterschiede) lässt, zumal der Ton wird räumlich projiziert.Was für eine Überwältigung durch eine Musik, die mit ihrem Prozess nicht zufrieden ist.Malika Kishino (1971-) geht zu einer anderen Abteilung des Orchesters über, auf der gleichen Bühne, aber in drei Gruppierungen, die nach ihrem Klang zusammengestellt und durch Tonhöhe und zeitliche Abfolge spezifiziert sind, wobei jede eine Vielzahl von Wolken darstellt, die entsprechend ihrer unterschieden werden Höhe.Die Komponistin nutzt die unendlichen Nuancen, die das musikalische Schreiben bietet, um die Klangschichten ihres Wolkenatlasses zwischen Ordnung und Chaos zu verteilen: das Donnergrollen, das anschwillt, das Brausen des Regens, der nur zu gießen auffordert, aber auch die durchscheinende Leichtigkeit der feuchten Luft, das Wehen der Winde, bevor sie sich in bedrohliche Massen verwandeln.Und sie, die Bedrohung, steht im Vordergrund dieses Stücks, nicht leicht zu fassen, aber bewohnt.Trotz einer sinnstiftenden Konstruktion verführt mich musikalisch weniger Ein Kinderlied (Dämonen), Arnulf Herrmanns Wiegenlied (1968-), das auf seine Weise Brahms' Sandmännchen wieder aufgreift: seine Schallplatte, die sich auf dem Plattenteller (wie die Lautsprecher) dreht und knistert an den Bügeln fixiert drehen sich langsam um sich selbst), die Verflechtungen, die er mit den Instrumenten des Orchesters betreibt, zappeln in einer mühsamen Schwere.Wenige Sekunden vor Beginn von EINGEDUNKELT , dem Abschlusstrack des Festivals, wird mein Blick auf das leuchtende Grün des Kolophoniumtuchs der Kontrabassistin gelenkt, als die Geigerin Carolin Widmann eintritt und der Glanz ihres Kleides die Aufmerksamkeit auf sich zieht.Peter Ruzicka (1948-) präsentiert hier sein zweites Violinkonzert (…INSELN, RANDLOS, das erste, stammt aus Mitte der 1990er Jahre), vier ineinander verschlungene Klangräume, die Violine als „vox humana“ unter den Sängern (aus dem SWR Vokalensemble) im Orchester verstreut, mit einer Explosion, die mich buchstäblich zusammenzucken lässt und das Stück, rau, melancholisch, ins Gedächtnis ätzt.Vier Tage, um ein Jahr Arbeit zu entdecken, eine frustrierende und berauschende Konzentration zugleich: Die Donaueschinger Musiktage sind ein unverzichtbares Treffen zeitgenössischer Musik, wir entdecken, begegnen, konfrontieren, erneuern, was die Musik von morgen ausmachen wird.Manche Jahre sind verrückter, andere klüger.Manchmal müssen wir auch atmen.Bildnachweis: RAGE Thormbones: Weston Olencki und Mattie Barbier © SWR / Agata Zubel und das SWR Symphonieorchester unter der Leitung von Pascal Rophé © SWR / Neuen Vocalsolisten Stuttgart © SWR / Artur Zagajewski und das Kwadrofonik Ensemble © SWR / Vimbayi Kaziboni und das Modern Ensemble © SWRDiese Seite verwendet Akismet, um Spam zu reduzieren.Erfahren Sie mehr darüber, wie Ihre Kommentardaten verwendet werden.